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JOAN LLUIS MONTANE, CRITICO DE ARTE

CRITICA 1 1.-COL.LECCIÓ MACBA 2.-ADRIÁN PIPER 3.-XIII BIENAL DEL ARTE CONTEMPORÁNEO CATALÁN 4.-EL BURLADERO 5.-TERESITA FERNÁNDEZ 6.-JULIA MARGARET CAMERON 7.-EXPRESIONES EXACTAS 8.-HENRI CARTIER BRESSON 9.-ANTONI TÀPIES 10.-JUDITH VIZCARRA 1.-COL.LECCIÓ MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) Barcelona Debido a la gran amplitud de sus fondos y a la dinamicidad del propio museo, se presenta en esta ocasión una nueva visión de la extensa Col.lecció MACBA de obra contemporánea y actual, especialmente centrada en las expresiones artísticas de los últimos cincuenta años, a través de la pintura, escultura, videoarte, instalaciones y fotografías de artistas nacionales e internacionales. Estructurada en tres líneas de actuación fundamentales, dicha exposición muestra determinados aspectos de periodos que están abiertos a nuevas adquisiciones. Destaca, especialmente por sus reminiscencias en Catalunya, la contextualización de los trabajos en torno a la materia de artistas como Tàpies o Fontana. En otro apartado hemos de señalar la importancia de la fuerza y pulcritud directa del neorrealismo italiano en cine. Rossellini, con la película ‘Germania Anno O ’ (1947) es básica. Asimismo, dicha muestra de su colección destaca por la inclusión de los trabajos de las nuevas generaciones de creadores vascos como Jon Mikel Euba o bien Sergio Prego y la influencia de Txomin Badiola. Col.lecció MACBA, posee varias lecturas, la más importante es que cada vez es más internacional, confluyendo lecturas variadas de lo más experimental y de las disciplinas de siempre. 2.-ADRIÁN PIPER MACBA Barcelona Adrián Piper explora las posibilidades de comunicación política de su obra, comprometiéndose a nivel social dentro de una contextualización internacional. En este sentido, en la primera retrospectiva de gran envergadura organizada en España sobre la obra de este creador, se hace un repaso desde su pintura y obras conceptuales de los sesenta, pasando por las performances de los setenta hasta sus trabajos más recientes. Sus creaciones, especialmente sus collages, performances y videoinstalaciones, se caracterizan por presentar un verdadero acto de comunicación política, considerando importante conseguir trascender por sí mismas en todos los aspectos, independientemente de su configuración como tales obras plásticas.De esta forma el creador internacional provoca en el público reacciones diversas y encontradas, buscando la provocación para enaltecer la vocación de lo experimental y su consistencia en un entorno dominado. Su obra es el arte entendido como vehículo de comunicación social y política, dentro de un contexto internacional, en el que el artista se compromete de forma activa, adoptando posturas creativas y emblemáticas desde diferentes puntos de enfoque, a partir de definir diversidad de visiones. Interesado por la cultura popular, conectó y profundizó en la de los afroamericanos poniendo en evidencia los prejuicios que la bordean y acotan. 3.-XIII BIENAL DEL ARTE CONTEMPORÁNEO CATALÁN Casa de cultura Olesa de Montserrat La muestra itinerante de la XIII Bienal d’Art Contemporani Cátala, que surgió en 1977 en Sant Cugat del Vallès (Barcelona), coincidiendo con el Congrés de Cultura Catalana, poco a poco, como su nombre indica, fue creciendo la necesidad perentoria que otras ciudades de Catalunya albergaran dicha muestra, convirtiéndose en itinerante por diversas zonas del Principat. En esta ocasión dicha muestra presenta obra de treinta creadores emergentes seleccionados dentro de un grupo de más de 160 obras presentadas dentro de las tendencias plásticas más actuales. Hay una necesidad evidente de promover estas bienales porque los nuevos valores precisan una ubicación dentro del contexto del arte y, al ser en la actualidad la muestra itinerante, facilita la aproximación de galerías que se interesen por los trabajos de dichos artistas. Destaca el papel jugado por la visión icónica, por ser la vertiente más productiva, en la que lo significativo es la fusión de lenguajes. 4.-EL BURLADERO Fundació Caixa Sabadell Sabadell Fundació Caixa Sabadell presenta ‘El Burladero 1991-2001’, diez años de prensa satírica en La Vanguardia. En este sentido el Burladero se ha convertido a lo largo de los años en el suplemento humorístico de mayor duración de la historia actual de la prensa española de la posguerra. La sección semanal empezó a publicarse en 1938, a través de la que han estado presentes humoristas gráficos como Toni Batllori, N. Macià, Pierino, Bach, Kap y tantos otros. Pierino emplea el collage fotográfico para dar su visión más satírica de los personajes políticos, empleando recursos propios del simbolismo; mientras que Toni Batllori se interesa por las caricaturas y la contextualización de los personajes en temáticas o bien exhibidos con alusiones a los diversos movimientos, acontecimientos y actualidad político social del momento. Aborda personajes conocidos y el hombre del traje gris. N. Macià recurre a los fotomontajes o a la creación mixta, donde la fuerza reside en la propia capacidad de trasgresión a partir de la crítica ácida directa. Bach es más indirecto, emplea, recurre a personajes o planteamientos alegóricos, mientras que Kap es muy irónico, prefiriendo describir los rasgos, acentuándolos, caricaturizándolos, dentro de una presentación en la que domina la parte intelectual. 5.-TERESITA FERNÁNDEZ Estudio Helga de Alvear Madrid Del minimalismo a la explosión volcánica, la irrupción de la lava y la fragilidad de la materia, sujeta a continua transformación. De lo perenne a la versatilidad, de la sutil evocación a la verdadera circunstancia de la propia vivencia de la existencia. La obra de Teresita Fernández se fundamenta en la observación de la naturaleza, pero no de forma directa, sino empleando parámetros y medios que exigen un grado de conocimiento que va más allá de lo circunstancial. La naturaleza como el arte está sujeta a un movimiento continuo, a una variación determinante, que solivianta las estructuras, pero que no deja de ser, en sí misma, la expresión de la propia realidad. De lo natural, de los fenómenos que transforman la materia, como es el caso de los volcanes, su obra se transforma en formas geométricas que luego van nutriendo con serena plasticidad tanto su producción escultórica como su creación de pared. Del minimalismo formal, de la síntesis de estructuras, eliminando formas no esenciales, evoca lo interior, la efervescencia, la vulcanicidad de la corteza terrestre, sujeta a movimientos y transformaciones constantes de la materia que la conforma. Pero, no describe, no busca la iconicidad, sino una reducción de lo evidente, para que sea la imaginación del propio espectador quien reinvente la realidad. 6.-JULIA MARGARET CAMERON EFTI Madrid La fotógrafa Julia Margaret Cameron, nacida en 1815 en Calcuta (India), tras contactar con el poeta Alfred Tennyson, investigador de la historia del rey Arturo, quien escribió ensayos y novelas sobre el tema, efectúa investigaciones sobre el retrato del rey Arturo para el libro ‘Idylls of the King’. Especializada en el retrato, que cultiva hasta el mínimo detalle, buscando la recreación del entorno, para fomentar la emblematicidad del mismo, buscando la calidez y la fervorosidad de los seres reflejados, produce doce fotografías para la obra de Tennyson y, después, las amplia hasta alcanzar 22 imágenes. Aborda la imagen medieval del rey, sus aspectos más románticos, entroncando con la leyenda, con la necesidad de símbolos, de perpetuar las andanzas de un mito en una época de libros de caballería y de guerras coloniales. El espíritu celta, la fortaleza bélica de los anglosajones guían las preocupaciones temáticas de Julia. Por primera vez en España Julia Margaret Cameron y el rey Arturo. 7.-EXPRESIONES EXACTAS Centro Puerta de Toledo Madrid Cruz Novillo, Juan de Andrés, Carlos Evangelista, Feliciano y José María Iglesias presentan la vigencia del arte geométrico, la preponderancia del cálculo, la estructuración matemática de las propuestas formales enfocadas hacia la contención de lo formalista. Cruz Novillo, exhibe su creación formal dinámica, dentro de un planteamiento sereno, donde la esencia de las formulaciones básicas domina, pero dentro de una libertad cromática. Juan de Andrés presenta su determinación geométrica por las formas libres. Carlos Evangelista, ha ido incorporado el poder del color, en planteamientos escultóricos cada vez más medidos, predominando el control de lo plano, la delimitación del cromatismo en sus esculto-pinturas. Feliciano es más singular, dejándose llevar por la emblematicidad, mientras que, con la obra de José María Iglesias, recuperamos el cálculo, las matemáticas, dentro de un sentimiento donde lo medido predomina. En resumen una buena exposición, nutrida por representantes de una geometría española que va más allá de la anécdota plástica y que constituye, en sí misma, una apuesta consolidada, aunque, en esta exposición, faltan otros artistas importantes. 8.-HENRI CARTIER BRESSON Fundació ‘la Caixa’ Barcelona Retrospectiva que agrupa 350 piezas de Cartier Bresson, formadas por fotografías, dibujos, publicaciones originales, retratos familiares y objetos personales mediante los cuales construyen una aproximación artística, social y biográfica personal de un fotógrafo apasionado por la vida, en la que la fotografía es el centro, reflejando paisajes y seres de todos los continentes, no como documental en sí mismos, sino como expresión de su propia visión individual. Hombre aventurero, con vivencias que le marcaron para siempre como sus años de prisionero de guerra en Alemania, o sus viajes a culturas tan lejanas entre sí como las de América, Indonesia, China o México, entre otras. Su obra se caracteriza por encontrar la fortaleza del instante, respetándolo en su propia consistencia, pero, dando una visión personal del mismo. Intenta no pervertir lo que su objetivo refleja, adoptando una postura de serenidad casi budista, para percibir hasta el vuelo de un insecto en un plano cargado de personajes o de tensión. El resultado es una obra natural pero controlada, de gran amplitud de registros, pero, fundamentalmente, autobiográfica no a nivel estético, sino con respecto al concepto filosófico que la define. 9.-ANTONI TÀPIES Centre Cultural Metropolità Tecla Sala L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona) ‘Antoni Tàpies. Cos i llenguatge’, retrospectiva de la obra de Tàpies de sus últimos veinte años, muestra a un creador preocupado por el trabajo de la materia, el estudio de los colores, la experimentación con fragmentos de utensilios y otros materiales no académicos, precisando una investigación experimental constante. De la tierra, polvo, átomos y partículas al lenguaje icónico de los signos. Positivo y negativo, la forma y el fondo, el espíritu y la realidad social. El paradigma del cuerpo, entendido como verdadero receptáculo, la joya de la corona de su experimentación basada en la búsqueda constante de la materia a partir de la materia en sí misma. De los años ochenta a la actualidad, con esculturas de bronce de 1987, el lenguaje de Tàpies se adentra en la síntesis, alejándose tanto de la descripción de su corta época surreal, de la profusión barroca del arte póvera y del excesivo contraste matérico informalista, ahora el creador catalán se adentra en los vericuetos de los signos, preguntándose por la verdadera posibilidad de expresión del abstracto a través de iconismos que no describen sino que atesoran toda su filosofía. Austero, como buen catalán, Tàpies posee un enorme mérito como potenciador de una nueva forma de entender el arte: configurador del paradigma espiritual, usando la materia como vehículo y el signo como síntesis. El cuerpo es el receptáculo, pero su verdad de fondo, es la definición de lo espiritual en todas las culturas. Los signos, signos son, pero lo espiritual es el espacio, los instantes de silencio de su materia, la densidad del color, el empleo de marrones, blancos y negros, mientras que el rojo a cuentagotas y las palabras escritas como pinceladas de caligrafía japonesa nos arropan y nos comentan alegóricamente que todos estamos en el mismo vehículo en viaje permanente hacia las diversas itacas que después confluyen en el océano del marasmo de la luz que no se termina nunca; porque está en nosotros, en los otros y hasta en las sucesivas reencarnaciones y meditaciones. 10.-JUDITH VIZCARRA Museo Abelló. Fundació Municipal d’Art Judith Vizcarra presenta en su obra ‘Qui som?’ interrogantes sobre nuestra condición de personas, a partir de tener en cuenta la propia estética, la condición básica de lo fundamental, basada en la orografía del lenguaje del cuerpo. Somos países en movimiento, confluyendo en vías de acceso y medios de transporte, yendo hacia direcciones ignotas, vehiculándonos hacia destinos extraños en cintas transportadoras donde la mirada se pierde en el horizonte sin fin. No nos conocemos, ni bajo un cielo de Dalí ni mirando como los ascensores agonizan cuando bajamos las escaleras de cuatro en cuatro, mientras nos esperan para cerrar un trato. No nos conocemos, y ni tan siquiera nos aseguramos ni sabemos los alcances de nuestra consistencia física. Por este motivo Judith nos conmina a vernos reflejados en el espejo, para saber hasta donde alcanzan nuestros límites, empleando el recurso del desnudo, para llevar a cabo un auténtica reflexión interior. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte